Artistes - Thèmes

Thème Aborigène

Lorsqu’on regarde pour la première fois une peinture aborigène du désert central, le regard est à la fois attiré par des signes inconnus et l’effet visuel des petits points. L’émerveillement passé, chacun s’interroge sur la signification des motifs abstraits représentés sur la toile. La réponse à ce genre de question se trouve exclusivement dans la culture aborigène.

Traditionnellement, la peinture aborigène décrit des histoires ancestrales qui mettent en scène des héros vivant au temps de la création du monde. Les aborigènes appellent ce temps lointain "Dreamtime" ou "Tjukurrpa". Ces récits racontent d’une part les règles de la vie en commun et d’autre part l’origine des particularités du paysage et des animaux. Cependant le nombre de ces récits n’est pas figé car les aborigènes continuent à produire d’autres histoires qui leurs sont révélées en rêve. Ces nouveaux récits sont souvent une manière de justifier un changement à l’intérieur du groupe ou de nouer de nouvelles relations avec un groupe voisin.

Les motifs utilisés pour la peinture sur toile étaient autrefois dessinés sur le sable ou sur les parois d’une grotte. Ces motifs représentent les trajets empruntés par les héros mythiques du Dreamtime. Ils forment des cartes géographiques dessinées en perspective aérienne. Cette position particulière du peintre par rapport au sujet est une caractéristique essentielle de la peinture aborigène du désert central.

La technique employée par les peintres aborigènes révèle les liens profonds qui les unissent à la terre. Le fond de peinture est en général ocre rouge ou noir, il représente le sol ou le sous-sol du désert. Ce fond est indispensable à la vision du peintre, il est le substrat nourricier de sa vie et de ses rêves. Au dessus, des motifs aux couleurs terreuses sont peints en formes larges. Dans cette phase les gestes du peintre sont lents et appliqués. Les signes ainsi placés ont un caractère immuable parfaitement adapté au récit mythologique. L’achèvement du travail consiste à délimiter puis remplir les formes à l'aide d'une seringue avec une multitude de points (pointillisme). Cette technique pointilliste (exemples ci-dessous) est à la fois une transposition picturale des moyens utilisés dans les fresques anciennes et une manière de cacher certains motifs secrets. D’autre part, l’agglomération de petits points rappelle le duvet végétal ou animal des immenses fresques exécutées sur le sol pour les cérémonies.

Enfin, le fait qu’il n’y ait pas de signature au bas d’une toile aborigène est un détail révélateur des liens à l’intérieur d’un groupe aborigène. En effet une histoire décrite sur toile appartient à une partie d’une tribu et non pas à un individu. La responsabilité collective des rêves est donc plus forte que la propriété artistique d’un individu. Cet ordre des valeurs a longtemps été un frein à l’expansion de la peinture à l’acrylique dans les communautés du désert central. Pourtant cela n’a pas empêché les institutions australiennes et les marchands d’art d’imposer quelques grands noms de peintres aborigènes sur la scène artistique mondiale. Malgré cela, les peintres aborigènes sont restés fidèles à leur manière de vivre et ils distribuent sans compter l’argent des toiles à leur entourage.

L'Art Abstrait

L'art abstrait trouve ses sources au début du XXème siècle. Cette nouvelle façon de peindre est le fruit de réflexions des peintres sur le monde qui les entoure et sur la façon de représenter ce monde.

L'art abstrait s'oppose à la peinture figurative, en cela qu'elle s'attache aux émotions, à la réalité vécue par le peintre par rapport au sujet. Loin de la peinture académique et de ses sujets imposés, l'art abstrait n'essaie pas de représenter le monde sensible et saisit les émotions pour nouer une relation avec le spectateur.

La peinture peut se passer de modèle et s'affranchit de la fidélité à la réalité visuelle.

Le peintre ne peut prétendre représenter le monde tel qu'il le voit : ce que l'on voit n'est pas figé, c'est en mouvement perpétuel.

L'art abstrait rompt avec le monde des apparences. Il montre des énigmes, des rébus à résoudre, révélant l’existence de réalités jusqu’alors invisibles et inconnues, que chaque artiste détermine à sa façon, selon ses propres convictions, son parcours et sa culture.

C’est la seule manière de rendre compte des sensations, des sentiments qu'il a connu, sans s'attarder sur une matérialité qui serait trop explicite : seul le sentiment en lui-même compte.

L'Art Figuratif

L'Art figuratif est un style artistique, en particulier dans la peinture, qui utilise des objets réels, les déforme ou les change pour transmettre un message. Le terme "Art figuratif" est souvent pris au sens d'art qui représente le corps humain ou animal. Si cela est souvent vrai, ce n'est pas nécessairement toujours le cas. En effet, la peinture figurative représente non seulement des personnes mais aussi des objets tels qu'un vase ou une bouteille, un animal, une fleur, un paysage, et renvoie à un spectacle identifiable du réel ou d'un monde irréel né de la seule imagination de l'artiste.

Figurer, c'est composer des formes symboliques dans un espace spécifique. Au même titre que le geste ou la parole, le comportement figuratif est une fonction biologique de production et d'échange de valeurs. La figuration suppose une aptitude à discerner et reconnaître des formes, autrement dit, à composer les objets dont la réunion institue une mémoire culturelle. Figurer en est l'expression organique qui se réalise avec une spontanéité si profuse qu'elle déconcerte souvent le pouvoir de juger et même d'imaginer.

artprive.com part pour vous à la recherche d’artistes émergents spécialisés dans ces domaines, avec pour seul point commun : le talent.

Jouant avec la lumière et les couleurs, ces artistes diffèrent par leurs sources d’inspiration et les techniques de peintures utilisées et vous font ainsi découvrir la diversité de la création contemporaine.

Ada

Origine : Indonésie

Né en 1976 à Kedewa (Indonésie), Ada puise son travail dans ses pensées les plus profondes.

Son talent, exprimé à travers ses choix de matières et de couleurs, son habilité à concevoir des formes uniques et ses fascinantes compositions font de Ada un peintre d’exception.
Il ajoute une ou deux couleurs vives pour mettre un accent sur ses toiles monochromes, façonnant ainsi des formes vigoureuses de volume et d’espace.

Totalement dévoué à l’art abstrait depuis ses débuts, ses œuvres sont aujourd’hui exposées à travers le monde.

"J'adore peindre depuis l'enfance, c'est mon hobby et mon art de vivre. J'utilise différentes techniques mais l'une de mes préférées est de peindre avec les doigts. J'adore peindre et peindre encore...
Je peins beaucoup en pensant à l'amour et à la passion, ces sujets encouragent ma créativité.
Ma peinture et ma famille m'accompagnent chaque jour vers une plus grande sérénité."

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Budiawan

Origine : Indonésie

Né le 27 septembre 1972 à Sayan (Indonésie), Budiawan est connu pour ses peintures à l’acrylique depuis 1990.
Après avoir obtenu son diplôme de l'Institut des Beaux-Arts Indonésiens de Denpasar en 1998, il présente un intérêt particulier pour la peinture abstraite avec des brillances et des couleurs frappantes.

Dans ses oeuvres, Budiawan tient à respecter les principes de l'harmonie cosmique (Tri Hita Karana), philosophie balinaise relatant les sources de l'harmonie et les relations équilibrées entre les hommes, entre l'homme et Dieu et entre l'homme et son environnement.

Ses toiles reflètent un sens profond, plein d’énergie et à travers son pouvoir abstrait, il tente de présenter les aspects humains laissés de côté.

Il n’est jamais satisfait de ce qu’il a réalisé c’est pourquoi il peint continuellement et joue avec les couleurs reflétées par son imagination.

Couleurs typiques, créatives et libres

"Ma peinture représente la liberté de ma conscience intérieure."

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Cakra

Origine : Indonésie

Né le 18 août 1964, Alit Cakra fut repéré dès son plus jeune âge et envoyé dans une école secondaire pour jeunes artistes. Bien qu'il excelle dans le programme d'études classiques, il ne fallut pas longtemps pour qu'il découvre l'art abstrait au grand dam de ses professeurs. Plus tard, il compléta ses études aux académies d'art de Denpasar, Bali et Yogyakarta dans le centre de Java, ce qui ne fera qu'accroître son zèle et son dévouement à l'art abstrait.

Ses peintures ont été décrites comme "architecturales". D'une certaine façon, on peut penser que ses peintures sont des constructions dont les textures et les surfaces griffées apparaissent comme des pierres de taille soigneusement montées ensemble à la main.

Ce sentiment est renforcé par l'utilisation d'une palette de couleur limitée aux blancs, gris bruns et noirs. Il utilise occasionnellement des couleurs fortes mais rarement plus d'une.

Cakra, tel un architecte, nous invite dans ses oeuvres à voyager et à expérimenter en profondeur l'espace créé. Il nous envoie à la découverte d'un nouveau royaume de l'art abstrait.

Depuis 1986 il peint activement et les oeuvres de cet artiste talentueux ont été exposées à travers le monde : Indonésie (d'où il est originaire), mais aussi Danemark, Australie, Japon...

Il reçoit le Lampad Price en 1992 et l'Indofood Art Award en 2003.

La peinture abstraite offre la liberté au spectateur d'avoir sa propre présomption, plus particulièrement lorsque le contenu et le thème de la peinture ne sont pas prémédités.

Bien que l'abstraction puisse sembler superficielle, il existe de nombreux éléments visuels et spirituels parallèles au concept de la recherche de soi dans un monde où les formes incorporelles n'ont pas de lien avec l'état de l'illusion que nous appelons le vie.

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Darsana

Origine : Bornéo

Darsana né en 1960 à Toho, un bel et vierge hameau situé à Bornéo. La pureté et la beauté de l'environnement dans lequel il grandit stimule Darsana encore jeune à s'intéresser aux arts visuels, en particulier le dessin, qui est devenu un passe-temps profondément ancré en lui jusqu'à sa vie d'adulte. En 1967, Il sert comme apprenti à un peintre qui inculque au jeune garçon une base solide devenue plus tard essentielle à son développement artistique.

En 1980, il part suivre une formation de Design à Taipei (Taiwan). Simultanément, il saisit cette occasion d'étudier à l'étranger comme un moyen de développer ses talents artistiques. En 1984, peu de temps après avoir obtenu son diplôme, il travaille en tant que designer pour une entreprise américaine spécialisée dans la fabrication de yachts.
Il suit une spécialisation à l'école Westlawn Yacht Design dans le Connecticut (USA). Pendant qu'il continue à développer son talent artistique aux Etats-unis, Darsana est directement influencé par un célèbre architecte et peintre : Ms Georgian.
Sous son aile, il développe son propre sens du style marqué par un jeu original et distinctif de traits généralement simples et spontanés, un style haut en couleurs de la peinture abstraite exprimé par des réflexions subtiles et philosophiques sur la vie.
Tout en affinant ses compétences à l'étranger, sur le plan professionnel, Darsana déssine de nombreux modèles spéctaculaires pour l'industrie nautique.

Après avoir longtemps exploré les pistes "traditionnelles" de l’art figuratif, Darsana met rapidement dans ses œuvres l’accent sur la "fracture" et la vivacité d’un art qu’il commence à percevoir bien plus universel que celui enseigné dans les différentes écoles, qu’il qualifie lui-même de "restrictives" dans leur manière d’appréhender le monde moderne.

Véritable personnage dans sa façon d’envisager l’art au delà des traditions

Par sa technique de peinture au couteau, par l’alternance maitrisée entre rupture et harmonie des couleurs, il ouvre grand la porte à toute une génération de jeunes artistes (peintres mais aussi sculpteurs) en quête de nouvelles sensations.

La technique d’acrylique sur toile lui permet "plus que l’huile" de bousculer les raisons et de mieux faire place aux passions.

"Connexion" est le meilleur terme pour décrire l'art de Darsana. On peut y voir les couleurs et les différentes techniques se connecter, sans frontières d'espace et de temps.
"Connexion" désigne le fait d'établir un rapport entre deux éléments.
C'est ce que montre Darsana dans son travail : les différents moyens de communication entre toute chose et tout être, entre le spectateur et sa toile.
"Regarder les toiles de Darsana c'est comme lui parler sans les mots".
Les mots et expressions sont rationnels et limités là où les couleurs et les formes ne le sont pas. Elles offrent ainsi de nouvelles interprétations et le spectateur se crée son propre dialogue. Le processus de création est enraciné depuis le début de notre univers où les mots n'existaient pourtant pas encore, mais déjà les vibrations, la lumière, les couleurs, les formes et la matière étaient présentes. Ce processus se poursuit dans le temps et Darsana indique dans son travail que nous faisons partie de sa création, en invitant le spectateur à se connecter avec la vie au-delà des questions, des peurs et des désirs, et de redécouvrir que nous avons toujours été liés.

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Dewa

Pendant plusieurs années Dewa travaille l'art figuratif, en particulier le nu féminin.

"Le désir est au coeur de nos vies, la diversité est source de richesse."

En parallèle, Dewa se tourne aussi vers une forme d'abstraction. C'est toujours une simplification extrême de ce que nous voyons.

Décoratif, relief, nu, harmonie, sensibilité.

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Doglas

Son travail s'inspire de la mer, de l'horizon, dans un style épuré.

Ses oeuvres qui sont une fenêtre sur la nature sont exposées à travers le monde.

Peinture à l'huile, style zen, paysages, abstrait.

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Dude

Il naît en Indonésie le 27 avril 1977, peint depuis 1990 et expose avec des groupes d'artistes et en solo depuis 1999.

Style abstrait, zen, moderne.

"Ma création reçoit beaucoup d'influences mixées ensemble : la tradition, la religion, l'éducation, le tourisme, la technologie, l'espoir et les fantaisies de tous temps."

Il a reçu des récompenses pour le "Meilleur Croquis et Peinture" du département des Beaux Arts ISI en 1992, "la Meilleure Illustration" pour l'exposition annuelle ISI en 1998 et le "Prix Lempad" avec son groupe d'artistes Sanggar Dewata en 2000.

"Mon but est d'enregistrer mes pensées pour exprimer mon sentiment à travers un processus continuel de changement et de développement, cherchant les formes et l'identité."

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Heinki

La peinture est son moyen de méditation.

Comme l'esprit travaille, la confusion s'empare de l'artiste et il se sent perdu dans l'espace et le temps. Quand le calme de l'esprit est finalement atteint, les coups de pinceau sont concentrés et centrés. L'artiste forme des émotions dans les couleurs pour apporter quelque chose d'élusif dans la forme et la structure.

Il représente la modernité par son travail abstrait. La texture et les couleurs évoquent des qualités émotionnelles et sensuelles.

Les acheteurs et représentants de galeries du Japon, du Royaume-Uni, du Koweit, du Pakistan, d'Inde et des Etats-Unis ont montré de l'intérêt dans l'exposition du travail d'Heinki dans leurs galeries respectives.

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Karyanto

Une recherche permanente et passionnée sur l'art primitif et tribal.

Il utilise une technique particulière pour ses peintures en mélangeant à de l'acrylique, du sable et de la poudre de bois.

Ethnique, figuratif, masques, expressivité.

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Keyenk

Keyenk commence à peindre à l'âge de 14 ans, "c'était un besoin vital".

Une envie de couleurs avant tout, un voyage qu'il nous fait partager à travers ses tableaux.

Décoratif, couleurs vives, paysages.

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K. Paul

Sa forte volonté de peindre remonte à son enfance. Au fil du temps elle est devenue un besoin pour cet artiste autodidacte, besoin de créer des couleurs artistiques sur toile.

Son travail véhicule son obsession, son optimisme et une pleine confiance en lui.

expression contemporaine , mouvements abstraits, couleurs spontanées

"Mes toiles sont un espace de rencontre et de paix entre les êtres."

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Lemon

Origine : Indonésie

Né le 9 septembre 1972, le travail de Lemon découle du processus de contemplation de la vie sociale et de ses phénomènes qui lui donnent des sentiments de joie, de tristesse, de bonheur et d’agitation.

"Mes émotions sont exprimées sur la toile par des couleurs, des lignes et des points de façon à ce que parfois je ne me comprends pas moi-même."

La nature est une bénédiction incomparable par sa beauté et en même temps une source infinie d’inspirations.

"Elle est visuellement représentée dans mon travail mais elle n’est pas simplement devenue un objet de beauté, c’est bien plus que cela, elle représente aussi mes sentiments symboliques en réponse au phénomène du temps."

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Loka Dana

Origine : Indonésie

Scène soulignée par des lignes nettes et fracturées, différents tons de blancs ou de noirs, troubles dans un patchwork de conception structurée... Voici quelques une des images que vous pouvez vous attendre à trouver dans les travaux de l'artiste Loka Dana.

Loka Dana est passé de la peinture traditionnelle balinaise figurative à un style abstrait contemporain très personnel. Son inspiration vient de la voix de son coeur, elle est combinée avec la multiplicité des lieux et des paysages dont il a été témoin au cours de ses voyages à travers l'Indonésie (Flores, Sumbawa, Sumatra et Java). Il estime que grâce à ses peintures, les gens peuvent capturer et même deviner sa propre vie. Ses oeuvres peuvent être interprétées par différentes sensibilités et imaginations individuelles.
Loka Dana expose son travail chaque année, avec la participation d'un groupe d'artistes ou en solo. Depuis 1990, son travail a été exposé au niveau local, à travers diverses expositions, et au niveau international (Australie, Suisse et Pays-Bas)

Loka Dana est né en 1972 dans une famille issue du milieu agricole. Doué pour la peinture depuis sa plus tendre enfance, Il étudie la peinture et l'art plus particulièrement au SMSR (haute école d'art) à Ubud de 1990 à 1994. Il étudie ensuite la connaissance de l'art au High Art Program de l'université STSI de Denpasar en 1997.

Par sa technique de peinture mélangée à de la matière, Loka Dana a montré sa grande facilité d'adaptation à de nouveaux défis.
Ses premières grandes oeuvres étaient toujours de couleur sombre et lugubres. Ces dernières années, ses peintures sont devenues plus légères et plus colorées.
"Ceci reflète ma compréhension sociale et offre une plus large prise de conscience spirituelle."
Les peintures les plus récentes sont amusantes de spiritualité, qu'elle soit universelle ou personnelle, Loka Dana expérimente. La production de masse dans un style facile à vendre (comme souvent à Bali) ne correspond pas à ses objectifs artistiques premiers. En dépit de grands besoins matériels, Loka Dana suit la voix choisie avec une admirable clarté.

Loka Dana a toutes les qualités pour devenir une voix artistique importante pour la jeunesse balinaise. Il mérite bien d'être soutenu, afin que son travail puisse attirer l'attention d'un public plus large.

Voir les tableaux de l'artiste Loka Dana

Morisz

Morisz réalise ses oeuvres en se "connectant" à la toile.

"Chaque forme, chaque couleur dégage une énergie spécifique."

Abstrait, décoratif, expressivité

Voir les tableaux de l'artiste Morisz

Rindho

Rindho est né dans le village de Peliatan en Indonésie le 9 avril 1970.

Il vient d'une famille d'artistes. Cela a commencé par son grand-père qui était un architecte balinais traditionnel. Son père (1919-1996) était prêtre et étudia la peinture. Il devint artiste officiel du président Soekarno, premier président indonésien.

A la fin du lycée, riche de ses expériences artistiques familiales, Rindho s'intéresse à parfaire sa connaissance de la peinture. Il continue ses études au Lycée des Beaux Arts de Denpasar. En 1998, il reçoit son diplôme des Beaux Arts de l'Institut d'Arts d'Indonésie.

Style figuratif, huile sur toile.

Les travaux de Rindho se retrouvent dans les collections du Musée d'Art Neka de Bali, au Musée d'Art de Singapour, et dans de nombreuses collections privées en Indonésie, à Singapour, à Hong-Kong, au Japon, en Europe, en Australie et aux Etats-Unis.

Voir les tableaux de l'artiste Rindho

Suarsa

Origine : Indonésie

Né le 10 mai 1977 en Indonésie, Suarsa est issu d'une famille d'agriculteurs très pauvres. A 10 ans, il réalise son premier dessin sur le mur de sa chambre. Malgré un goût prononcé pour l'école, ses parents n'ayant pas assez d'argent pour qu'il puisse poursuivre ses études, il quitte la maison à l'âge de 12 ans au grand regret de son père qui souhaitait le voir travailler à ses côtés dans les rizières. Il parti à Ubud, là où vivent tous les peintres célèbres du pays et fut hébergé chez l'un d'entre eux Wayan Sadia qui l'initia à la discipline de la peinture.

"J'ai vécu avec sa famille pendant 4 ans, j'ai observé et appris autant que possible les techniques de peinture."

Intérréssé par le talent du jeune peintre, il expose ses toiles en galerie. Suarsa vend sa première toile à l'âge de 13 ans.

Il continue ensuite à développer son art et expose à l'Art Gallery de Sunari, vendant chaque année de plus en plus de toiles.

Après 8 ans de peinture traditionnelle, puis 8 ans d'abstrait, Suarsa est aujourd'hui présent dans de nombreuses collections personnelles et dans des galeries du monde entier (Europe, USA, Singapour, Hong Kong, Malaisie, Japon, Australie...). Il est aussi propriétaire de 3 galeries d'art en Indonésie.

"Depuis l’âge de 10 ans, j’ai été captivé par la compréhension des lignes, des couleurs et de la composition.
La couleur représente beaucoup pour moi, je la trouve tous les jours dans ma culture, dans l’émotion et dans la nature environnante. Mes peintures reflètent une connexion et un héritage très profond à ma culture, la profondeur de ma vie spirituelle en tant qu’Hindou, ma force intérieure et ma sagesse. Il y a de la musique dans ma peinture, de l’engagement et de la passion."

Voir les tableaux de l'artiste Suarsa

Suwitra

Origine : Indonésie

Né en 1972 à Medan dans le Nord de Sumatra, Suwitra est diplômé en 1992 de l'école d'art FSR ISI de Yogyakarta. Il se dévoue ensuite totalement à l'art abstrait.
Ses oeuvres offrent des images rythmées par un processus de création montrant différents niveaux de tension.

"Le mouvement et les phénomènes naturels qui se produisent autour de moi sont une source d’inspiration pour créer un art raffiné."

En tant qu'artiste, Suwitra est totalement immergé dans une influence javanaise forte, en particulier l'arrangement culturel de Yogyakarta qui contribue franchement à son inventivité. Il transforme avec succès toutes les formes de façon à leur donner un sens plus large, changeant admirablement les problèmes et les passions en art.
Ces constructions symboliques et métaphoriques encouragent le spectateur à modifier sa sensibilité.
Suwitra croit que la sensibilité sauvera n'importe qui de l'arrogance, d'une attitude anarchique, d'un jugement facile.

Il utilise sur ses toiles les couleurs qu’il retrouve dans la nature : la terre, l’ocre, l’argile, la craie, le bois, la pierre…couleurs qui se marient à merveille avec tous les styles d’intérieurs.

Signe particulier : il griffe la toile en guise de finitions.

Voir les tableaux de l'artiste Suwitra

Tuad

"La peinture abstraite offre au spectateur une liberté de perception, particulièrement lorsque le thème et le contenu de la peinture ne sont pas prémédités."

Il est spécialisé dans les petits formats, généralement 30x30cm et 50x50cm.

"Pour créer je m’inspire des couleurs et des styles dans l'air du temps."

Ajout de matières et couleurs tendances (parme violet turquoise rose blanc rouge…)

Voir les tableaux de l'artiste Tuad

Warsa

"L’harmonie des couleurs, la dynamique des formes et le mouvement des lignes encouragent à éveiller notre imaginaire et notre sensibilité."

Peintre d’émotions et d’impressions fortes

Les peintures de Warsa sont une invitation au voyage et à la découverte où vous pourrez à loisir laisser libre court à votre imagination.

Voir les tableaux de l'artiste Warsa

Wayan

Peinture figurative libre, acrylique sur petits formats.

Il est inspiré par ses rêves, l'amour, les rapports humains, son imagination et des situations de vie de tous les jours.

Il peint avec des textures riches et utilise parfaitement la lumière et le mouvement dans ses oeuvres.

Il possède un grand sens de créativité libre et introduit parfois des matériaux naturels dans des effets de collage.

Voir les tableaux de l'artiste Wayan